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(節選自John P. L. Roberts, ed., The Art of Glenn Gould: Reflections of a Musical Genius ) 正文： 我一直認為在音樂表演界有這么兩類演奏者：一種是將手中樂器發揮到極至的演奏者，另一種是與其相反的。 如果我們可以相信歷史記載的話，我們看到李斯特、帕格尼尼，還有近現代很多技巧卓絕的演奏家都是屬于第一類的。這類演奏者致力于向觀眾展示自己與手中樂器的關系，并讓這種關系成為所有注意力的焦點。 而另一類演奏者則會完全越過演奏技巧這個層面，創造出一個將他們自己與樂譜直接聯系起來的幻覺，這種幻覺給了聽者一種置身其中的感覺，如同自己投入參與到音樂當中而不是演奏中。在我們的時代，第二類演奏者中恐怕沒有比S.里赫特更好的例子了。 我剛說過這類演奏者創造出來的是一個幻覺 – 確實如此，因為任何演奏者若要忽視樂器技巧上的千變萬化是不可能的。 但可能的是，他可以達到一個與樂器完美的聯姻，這種聯姻使一切技術細節都變得不重要了 – 所有手段都服務于音樂結構，這時演奏者還有聽眾就會完全忽視那些花哨膚淺的眩技，而將精力集中到音樂內在的靈魂與氣質上。 從另一個方面看，演奏者是不可能以貝多芬的方式演奏貝多芬，莫扎特的方式演奏莫扎特的，如果能夠完美再現這一過程的話，音樂生活將會變得枯燥；因為這意味著只需要一種終極的權威的詮釋，剩下要做的只是將這個詮釋不斷的重復。 S.里赫特可以將自己巨大的個人性格注入到作曲家和聽眾之間，這樣使我們每次聆聽時都會從一種全新的角度看待作品，如同發現一部新作品一樣。 我第一次聽里赫特演奏是1957年5月，在莫斯科音樂學院，當時的曲目是舒伯特的降B大調奏鳴曲，他最后的奏鳴曲 – 也是最長的一首。 里赫特的演奏是我聽過最慢的，將本身已經很長的曲子變得更長。 說到這里應該坦白兩件事。第一，也許聽起來比較另類，我對舒伯特的音樂并不感冒，我很不適應曲子中運用的重復的音樂結構，而且在聽舒伯特的長曲子時總是感到局促不安。 第二，我幾乎不出席現場音樂會，寧愿在家里聽錄音，這樣可以不受外界或視覺上的干擾。 我提這些是因為當里赫特以極慢的速度彈奏這首極長的曲子時，我告訴自己，后面一小時夠我受的。 但實際發生的是，在之后的一個小時里，我被帶進了一種催眠狀態。 所有關于舒伯特音樂的成見全都拋之腦后，那些我認為次要的音樂細節全都變成了有機的組織，很多細節我到今天還都印象深刻。 在我眼前發生的就像是兩個看上去對立的性質融為一體 – 高度理性的結構剖析通過近乎于即興演奏的方式呈現出來。 這一刻我意識到，我面對的是我們這個時代所出現的最強有力的溝通者，詮釋者。 (翻譯：Lifesucks) Roberts, John P. L., ed. “Sviatoslav Richter”. The Art of Glenn Gould: Reflections of a Musical Genius ，Toronto: Malcolm Lester Books, 1999, Pg.50 – 54.
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